Как изменить мир или когда мечта становится целью

На протяжении творческой карьеры любой фотограф сталкивается с вопросами, на которые ему приходится долго, и, к сожалению, не всегда результативно, искать ответы. Как совмещать коммерцию и творчество? Должен ли художник быть голодным? Насколько необходима дорогая техника? Я не исключение. На поиск правильного решения уходят не месяцы, но годы, и не факт. Именно поэтому я решил поделиться своими размышлениями. Надеюсь, мои выводы окажутся полезными, даже для тех фотографов, которые примут другое решение.

Автор: Георгий Майер (website, YouTube, Вконтакте, LensCulture, Flickr)

Как стать художником без художественного образования?

В свое время я преподавал фотографию в колледже, а потом открыл свою фотошколу, которая просуществовала три года. Это был невероятный опыт. Мы проводили мастер-классы, фотовечеринки, организовывали показы документальных фильмов. Каждую неделю я давал домашнее задание, а потом мы все вместе анализировали результаты выполненных работ.

Поскольку на курсах было много выпускников художественных вузов, я смог сравнивать их результаты с теми, которые демонстрируют студенты из других профессий. И я заметил одну интересную вещь.

Трудолюбивые и талантливые фотографы с хорошей техникой исполнения были и там и там. Но те, кто не имел профессионального образования, часто имитировали мой стиль в фотографии. Да, они делали это неплохо, но я узнавал свое влияние. Так в чем же разница? Разница в элементарной насмотренности.

Какой вывод я сделал? Необязательно иметь образование, но важно понимать визуальное искусство. Изучить историю живописи, фотографии и кинематографа можно и дома, если есть желание и стимул. Эти знания расширяют границы возможного и дают пищу для размышлений.

Но если у вас имеется собственное понимание прекрасного, то вы никогда не станете копировать своего учителя. Беттина Реймс - ученица Хельмута Ньютона, Тим Уокер практиковался у Ричарда Аведона. Однако работы этих авторов совсем не похожи на те, которые создали их учителя, хотя они и признаются, что наставники дали им очень много.

Можно ли научиться композиции?

Для меня понятие композиции священно. Это самый главный (виртуальный) инструмент любого художника, поэта или музыканта. Основы композиции были заложены самой природой еще до появления разумной жизни. Формирование происходило в течение тысячелетий, человеку оставалось только разгадывать законы композиции и учиться использовать. Опыт передавался с помощью искусства от поколения к поколению.

Понимание композиции - это именно то, что отличает любителя от профессионала. Однажды современный художник Бэнкси сказал: «Почему художники готовы страдать за искусство, но не хотят учиться рисовать?». Я с ним полностью согласен. Если ты понимаешь композицию, то становится намного проще выразить любую идею.

Можно ли научиться композиции, если нет художественного образования? Точно знаю, что да. Это навык, который можно приобрести, как умение говорить на иностранном языке. И мои ученики это постоянно подтверждают.

Для того, чтобы научиться композиции, существует много инструментов. И необязательно читать толстые книги и с калькулятором высчитывать золотое сечение. Погружаясь все глубже в мир изобразительного искусства, вы постепенно замечаете, что формулы забываются, а интуитивное понимание композиции остается. Это приятное ощущение, как будто вы научились летать. Главное — вдохновение, а также желание творить и искать гармонию.

Нужна ли дорогая техника?

Далеко не каждому автору нужно сверхразрешение, скорострельность и большой динамический диапазон. Существует множество направлений, которые не зависят от техники напрямую.

Например, представители бостонской школы фотографии Нан Голдин и Райан Макгинли снимают тем, что попадает под руку, и делают это великолепно! Анри Картье Бессон всю жизнь снимал старенькой «Лейкой». Терри Ричардсон обращается к языку любительской фотографии, а пикториалисты используют несовершенство аналоговой фотографии. Их секрет в уникальном видении мира, в глубоком понимании основ искусства и знаний законов композиции.

Но когда речь заходит о студии, тут есть два параметра, которые нужно учитывать при выборе оборудования. Качество должно удовлетворять заказчиков, и лично вам должно быть комфортно работать.

Иными словами, если не планируете вести выставочную деятельность и снимать заказы для рекламных агентств и журналов, то высокое разрешение матрицы необязательно. Если не собираетесь работать в сложных световых условиях, и будете снимать только в профессиональной фотостудии с мощным светом, то на параметры динамического диапазона можете не обращать внимания.

Лично у меня оборудование хорошего качества и требования к камерам и свету очень высокие. Но это не значит, что мой набор техники подойдет другому автору. Каждый должен исходить из своих потребностей. Самое главное: не покупайте то, что не будете использовать, и используйте на 100 процентов то, что купили. И не забывайте, что студия это не только камера и свет, но и много мелочей: крепежи, синхронизаторы, флаги и отражатели, всевозможные зажимы и проч.

Должен ли художник быть голодным?

Все слышали выражение: «Художник должен быть голодным». Лично я считаю его вредным. С другой стороны, возникает резонный вопрос: а как стать сытым художником? Если пытаться заработать на искусстве, не будет ли это означать для автора потерю независимости?

Я понял простую истину: иногда фотографу нужно быть... «продажным», чтобы позволить себе быть... художником. Несколько лет назад я решил, что не буду смешивать эти понятия. Все свои арт-проекты буду делать не для конкурсов и продаж, а только для самовыражения.

Раз в месяц проводил экспериментальные съемки. Отрабатывал сложные техники и пытался таким образом реализовать какие-то интересные идеи. Затем снова включал «продажника» и делал то, что хотят заказчики. Казалось бы, все просто и предельно понятно, но лично для меня оставался без ответа один вопрос: как не запутаться, переключаясь между жанрами?

Однажды мне удалось познакомиться с одним из самых известных и самых дорогих современных российских художников - Эриком Булатовым. Сейчас его работы стоят миллионы долларов, но в СССР его искусство было не востребовано, и он зарабатывал на... детских иллюстрациях. Я спросил у него, как он переключался между коммерческими заказами и художественными работами. На что Эрик Булатов ответил, что занимался каждым из этих направлений по полгода, не смешивая их, а чтобы перестроиться с одного на другое, уходил в лес на несколько дней. Примерно так поступаю и я, но вместо посещения леса медитирую под музыку пару часов.

Еще один хороший способ - взять псевдоним для арт-проектов. Во-первых, психологически легче отделить себя коммерческого от творческого. Во-вторых, вы избежите конфликта ценообразования, ведь стоимость арт-работ может быть в десятки раз выше, чем коммерческих. Не стоит быть «голодным художником»! Зарабатывайте, покупайте себе достойную технику и оплачивайте работу моделей. Я еще не видел живописца, которому хорошие краски мешали бы писать талантливые картины.

Как совмещать коммерцию и творчество?

Грамотный коммерческий фотограф должен хорошо понимать заказчика, придумывать привлекательные для конечного потребителя образы, чувствовать композицию и цвет. Для него важны: хорошее оборудование, грамотная команда, профессиональные модели и умение хорошо управлять всеми процессами.

В случае с художником все сложнее. Он тоже должен понимать композицию и хорошо владеть техникой съемки. Но у него нет заказчика и нет конкретного потребителя. Да и хорошее оборудование отходит на второй план, уступая место экспериментам.

Но если заказчик отсутствует, то как понять, что именно снимать? Как найти идею? Вот тут-то и начинается самое интересное.

Художник - не тот, кто хочет заработать на галерейной фотографии или победить в конкурсах. Нет. Художник - тот, кто процессом наслаждается гораздо больше, чем результатом. Хотя слово наслаждается можно заменить на болеет, и это будет точнее. Художник одержим идеями, внутри него бушуют страсти. Художник визуализирует собственные ощущения, тогда как коммерческий фотограф рационален и отображает не ощущение, но понимание.

Можно ли научить человека быть художником? И да, и нет. Онлайн-курсы способны дать очень многое: умение владеть камерой, светом, понимание композиции и цвета и проч. Это база, без которой вы не сможете мыслить творчески. Но чтобы пазл сложился, вам будет не хватать одной детали: личного переживания - творческого наития. И над этим тоже нужно работать. Но как? Посмотрите, как работают другие художники.

Стоит ли участвовать в фотоконкурсах?

Часто слышу мнение: фотоконкурсы существуют, чтобы потешить самолюбие, и не приносят никакой пользы. Давайте разбираться. Сразу проясним некоторые детали. Вы работаете «в стол» или готовы делиться своим искусством? А может, вы просто не уверенны в себе и боитесь услышать мнение со стороны? Не заблуждайтесь: соревновательный момент среди творческих профессий будет всегда.

И среди композиторов, и среди архитекторов, и, конечно же, среди фотографов. Конечно, это не спорт, ведь жюри работает с тонкой материей, но и требования к его членам достаточно высокие. Да и сама материя, если присмотреться, поддается анализу. Вы боитесь, что ваше творчество неактуально? Вы работаете с формой, тогда как надо делать остросоциальные проекты? Вы описываете... автора этих строк.

Представлюсь: двукратный победитель Sony World Photography Awards, фотограф года по версии International Photography Awards и Moscow International Foto Awards. Почти все мои фотоработы, которые я отправлял на конкурс Best of Russia, попали в итоговую выставку и побывали на трех обложках каталога. Также двукратный победитель «Молодых фотографов России» и многих других конкурсов.

Конкурсы - это просто средство коммуникации авторов, кураторов, издательств и коллекционеров. Еще одна возможность найти своего зрителя и пообщаться со своими кумирами. Такая же социальная сеть, как и все остальные. Но не все конкурсы одинаково полезны - есть и откровенно вредные. Хорошее оборудование может облегчить вам работу, но не сделает из вас успешного и талантливого фотографа. А вот новые знания и опыт — помогут в этом.

Как сделать описание к фотосерии?

Профессиональные конкурсы часто подразумевают не только цельную серию фотографий с интересной подачей, но и сильную концепцию, отраженную в описании к этой серии. И вот здесь для многих нередко возникает проблема. А почему вообще важно описание к фотосерии? Как правило, члены жюри выбирают работы исходя из их визуальных качеств, интересного техническое исполнение и по причине качественной композиции. Но на последнем этапе, если говорить о профессиональной номинации, они изучат саму идею, концепцию.

Творческий снимок может не содержать признаков времени и места съемки. Также за ним не стоит заказчик с определенными требованиями. А фотограф не обязан быть мастером слова, и часто ему сложнее выразить мысли в письменном виде, нежели в фотографии. Что делать? В первую очередь, не стоит относиться к текстам легкомысленно. Именно качественное описание позволит вам обойти соперников при прочих равных. Например, в описании документальных снимков содержатся ответы на вопросы: что? где? когда? Тогда как в творческой постановочной серии вопросы будут: зачем? как?

Даже если вы только учитесь фотографии, у вас обязательно есть какая-то цель, ради которой взяли в руки камеру. Может быть, ваша интерпретация работ старых мастеров или демонстрация вашего отношения к той или иной проблем. А может, просто отражение вашего внутреннего состояния. Подскажите своему зрителю, как лучше расшифровать те или иные символы, которые вы представили в работах.

При этом вам необязательно продумывать текст до начала съемок. Позвольте творческой энергии полностью реализоваться, не ограничивайте себя во время этого процесса. Но сформировав серию, выделите время, чтобы попытаться понять (для себя), что создали, и сформулировать то, что поняли.Изучайте историю искусств, читайте книги о фотографии, знакомьтесь с автобиографиями известных мастеров. Наконец, посмотрите тексты предыдущих победителей. Так вы поймете, как другие авторы выражали свои мысли, и научитесь делать это сами.